TO HERALD A STORM

La bataille de l’imaginaire (Alain Damasio)

Quand on aborde la question des décors et des costumes, Marine commence par rappeler que c’est tout un monde autour de chaque création qui permet de traduire une vision esthétique avec une exigence et une profondeur inédites. Le temps qui leur est dédié et les équipes qui gravitent autour de leurs projets aujourd’hui les autorisent à réaliser leurs rêves, grâce à des moyens de production certes fragilisés par l’état actuel des politiques culturelles, mais qui n’en restent pas moins essentiels. Un travail collectif au long cours, notamment auprès de la costumière Salomé Poloudenny et du compositeur Pierre Avia, avec qui le trio collabore depuis des années.

La commedia dell’arte (l’une des influences de l’univers esthétique de la pièce) est habitée par une forme d’ambivalence, à la fois prise dans l’art du grotesque et d’un certain recul dans la caricature. L’un des motifs de ce thème, le masque, invoque le jeu de la dissimulation, tandis que des prothèses transforment les danseurs en monstres. Des éléments extérieurs qui altèrent leurs mouvements, les empêchent ou les amplifient. Des chimères qui évoquent le transhumanisme et reflètent l’inquiétude face à des phénomènes comme le biohacking, ambitionnés par les ultra-riches pour abolir la vieillesse et la mort.

Derrière cette pensée autour de la projection de soi et de la politique, il y a l’idée de documenter ce qui est en cours par un prisme cinématographique. L’articulation entre la fiction et le témoignage se nourrit de références cinématographiques, qui font émerger un imaginaire commun – entre autres films, Elephant (Gus Van Sant), The Social Network (David Fincher) ou encore Underground (Emir Kusturica).

Le décor n’est pas un cadre, un simple contexte mais bien un dispositif en soi, théâtral. Un espace-temps théâtralisé, loin d’être univoque ; on ne saurait dire si ce trou qui émerge est un bassin, une piscine, une fontaine de jouvence, un gouffre ou un jacuzzi. Costumes et décor participent à figer une identité, à raconter quelque chose de la pièce. Un théâtre équivoque et un peu glauque, où le décor n’est pas seulement planté – il se meut. Grâce à la machinerie, le sol qui reprend le motif du parquet de danse se lève et s’abaisse, devient plafond. Ainsi peut-on voir dans ce non-lieu d’Après moi, le déluge le prolongement d’une réflexion sur les hétérotopies (Michel Foucault) initiée dès les premières mises en scène imaginées par (LA)HORDE.

Une caméra retranscrit en direct les images qu’elle enregistre. Déjà bien ancrée dans la pratique artistique du collectif et présente dans des créations de leur répertoire de danse, elle prend dans Après moi, le déluge une place et une liberté encore inédite : d’abord suspendue au rideau, elle circule ensuite sur scène, passe entre les mains des artistes, danse avec le regard des spectateurs. Ses mouvements, retransmissions et nombreux gros plans interrogent la part de l’interprétation des images, mais aussi nos modes de monstre-ation dans une société de surveillance et de performance de soi – qui nous pousse à nous mettre en scène, et par là nous donne un droit de regard sur nos moments de vie les plus intimes, jamais accessibles auparavant.

Prenez soin de vous !

La matière chorégraphique en elle-même est imprégnée de la pop culture. La création part du slam, une matière-danse qui emprunte aux foules de concerts et aux pogos. Une exploration menée à partir d’un lexique de gestes, à coups de jambes et jetés de bras, exprime l’effondrement des corps comme symptôme social. Tout l’enjeu de sa transposition en langage chorégraphique, croisée avec la viralité des mouvements sur les réseaux sociaux (dans la continuité d’Age of Content) : garder son souffle.

Arthur place leurs émotions respectives et partagées au cœur de leur travail. En faisant appel à la pop culture, la curation musicale les bascule dans des souvenirs d’adolescence, chargés d’affects.

Enfants du capitalisme, ayant baigné pendant l’adolescence dans le néo no futur, ils avertissent tous les trois du danger qu’ils pressentent à se réfugier dans une culture individualiste du care. Cette valeur que le trio considère fondamentale, notamment en milieu queer dans lequel ils évoluent, est instrumentalisée par le système néolibéral qui en fait moins une question de société qu’un appel au repli de soi. Au nom de quel bien-être, de quelle sécurité se laisse-t-on habiter par des réflexes, des rituels, des quotidiens solitaires ? Alain Damasio invoque l’importance de la danse comme exutoire, quand l’hégémonie des corps sous contraintes et sous canons concorde avec celle de l’intelligence artificielle.

Une invitation à sortir le soin de la culture individualiste pour le re-cultiver collectivement. Au cours d’un de leurs voyages au Japon, Jonathan se souvient de leur rencontre avec un système culturel qui porte au cœur le soin comme une valeur très différente. Il en souligne aussi l’ambivalence, et pense au Voyage de Chihiro (Hayao Miyazaki) qui, en soignant les monstres, pousse le soin aux limites du corps. Pour dé-monstrer le soin face à « ces prédateurs qu’on fabrique avec nos éducations » (Alain Damasio), il faut créer des espaces bienveillants, de confiance.

Qu’est-ce qui fait horde ?

On ne s’étonne pas assez que le mot mouvement réfère à un geste individuel et à une action groupée. Une mécanique individuelle et collective tout à la fois, où des aspirations très personnelles se croisent entre les penseurs du corps : il s’agit de les articuler et de mettre en partage leurs connaissances et leurs colères, leurs vécus et leurs ressentis. Après moi, le déluge arrive après sept ans de collaboration avec le BNM, et ça se ressent dans le travail : leurs rapports sont plus directs, plus intimes.

De nouveau, Marine mesure leur chance : « On est dans une institution, on a la permanence de l’emploi, et on doit réinventer le système. Au-delà de notre joie de collaborer avec des artistes, on a mis des choses en place. » Notamment avec la coordinatrice d’intimité Julie De Bohan, auprès de qui les artistes redécouvrent leur parole, dans le cadre d’une performance qui n’est pas un espace de vanité – des prothèses viennent questionner un rapport au corps, ils doivent incarner des personnages qu’il faut pouvoir et vouloir assumer.

Autant de problématiques qui s’éprouvent en répétition comme dans tout processus créatif ; Alain Damasio s’est attaché à mettre écriture de ce geste en cours, pas encore présenté. Ses mots annoncent quelque chose qui gronde quelque part, entre le bassin-piscine-jacuzzi et le parquet de danse. Entre les souffles et les cadences, les masques et les monstres.

L’art est le fruit de fragilité et de circulations radicales. Alors comment faire horde ? En dansant.