REINE PARADIS,
SHAPING PERCEPTION

Reine Paradis is a French artist, born in 1989, and a graduate of the Gobelins School of Visual Communication in Paris. Based in Los Angeles since 2012, she blends reality and imagination through diverse mediums. Her use of reflective and transparent materials plays with light, creating barriers that both conceal and reveal.

Duality plays a crucial role in her work and the way she perceives and interprets the world around us. Through this interview, we had the chance to meet her and explore these dynamics further. Reine Paradis’ newest series, ECLIPSE, is currently on display at the renowned Berlin gallery KÖNIG TELEGRAPHENAMT. All the pictures featured here are from the exhibition, running from February 13th to March 15th, 2025.

Reine Paradis est une artiste française, née en 1989, et diplômée de l’École des Gobelins de Communication Visuelle à Paris. Installée à Los Angeles depuis 2012, elle mêle réalité et imagination à travers divers médiums. Son utilisation de matériaux réfléchissants et transparents joue avec la lumière, créant des barrières qui à la fois cachent et révèlent.

La dualité joue un rôle crucial dans son travail et dans sa manière de percevoir et d’interpréter le monde qui nous entoure. À travers cette interview, nous avons eu l’occasion de la rencontrer et d’explorer plus en profondeur ces dynamiques.
La nouvelle série de Reine Paradis, ECLIPSE, est actuellement exposée à la renommée galerie berlinoise KÖNIG TELEGRAPHENAMT. Toutes les photos présentées ici proviennent de l’exposition, qui se déroule du 13 février au 15 mars 2025.

ARE YOU READY TO SHAPE PERCEPTION, ONE DUALITY AT TIME, WITH REINE PARADIS?

TU ES UNE ARTISTE MULTIDISCIPLINAIRE QUI PRATIQUE LA PHOTOGRAPHIE, LA PEINTURE, LA SCULPTURE, LA PERFORMANCE… QUELLE EST LA PREMIÈRE ÉTAPE DANS TON PROCESSUS CRÉATIF ? EXISTE-T-IL UN ORDRE PARTICULIER DANS TON APPROCHE, OÙ, PAR EXEMPLE, UNE PERFORMANCE MÈNE À LA PHOTOGRAPHIE, QUI DEVIENT ENSUITE UNE PEINTURE ? CES DISCIPLINES SONT-ELLES INTERCONNECTÉES OU EXISTENT-ELLES DE MANIÈRE INDÉPENDANTE ?

Il est vrai que chaque partie du processus est interconnectée et peut, à tout moment, influencer une autre partie du travail. Cependant, avant même de commencer la création, je dois d’abord déterminer ma palette de couleurs. Cela peut prendre un certain temps car mes couleurs sont très spécifiques, donc je dois être absolument amoureuse d’elles avant de pouvoir avancer. Mais une fois que je les ai, le travail s’ouvre devant moi comme une grande étendue de possibilités.
La première étape consiste à traduire les visions dans ma tête en maquettes collées sur papier que j’utiliserai comme plans pour lorsque nous photographierons les scènes dans des lieux autour du monde. Il est essentiel pour moi de « vivre » la scène en tant que sujet des autoportraits, toujours avec une perruque blonde et des costumes transparents néons qui agissent comme une sorte d’armure, me permettant de repousser largement mes limites.
Les photos sont ensuite éditées afin que les couleurs de la scène correspondent à ma palette de couleurs — un processus très méticuleux mais tellement nécessaire pour que je puisse communiquer ma vision complètement.
Les peintures et les sculptures en verre suivent un processus similaire, cependant elles sont créées dans mon studio à Los Angeles. Beaucoup des éléments dans les peintures sont directement liés aux visions originales, et certaines sont même des images déconstruites d’une scène photographiée. Les sculptures en verre viennent aussi de mes photos. Chaque partie est connectée d’une manière ou d’une autre à mon monde surréaliste.

YOU ARE A MULTIDISCIPLINARY ARTIST DOING PHOTOGRAPHY, PAINTING, SCULPTURE, PERFORMANCE… I WOULD LOVE TO KNOW, WHAT COMES FIRST? IS THERE A PARTICULAR ORDER IN YOUR APPROACH, IN WHICH, FOR EXAMPLE, A PERFORMANCE LEADS TO PHOTOGRAPHY WHICH THEN EVENTUALLY BECOMES A PAINTING? ARE THESE DISCIPLINES INTERCONNECTED OR DO THEY EXIST INDEPENDENTLY?

It’s true that every part of the process is interconnected and can, at any point, influence another part of the work. However before I even begin with the creation, I must first lock down my color palette. This can take me awhile because my colors are so specific, so I have to be absolutely in love with them before I can move on, but once I have them, the work opens up in front of me like a great expanse of possibility.
The first step is to translate the visions in my head into collaged maquettes on paper which I will use as blueprints for when we photograph the scenes in locations around the world. It is vital for me to ‘live’ the scene as the subject of the self portraits, always in a blond wig and neon transparent costumes which act as an armor of sorts, allowing me to push way beyond my limits.
The photos are then edited so that the colors of the scene match my color palette—a very meticulous process but so necessary for me to communicate my vision completely.
The paintings and the glass sculptures come in a similar way, however they are created in my studio in Los Angeles. A lot of the elements within the paintings are directly related to the original visions, and some are even deconstructed images of a photographed scene. The glass sculptures come from my photos as well. Each part is connected in some way to my surreal world.

LA COULEUR EST CENTRALE DANS ton TRAVAIL. S’AGIT-IL D’UNE PHASE DANS TON PARCOURS ARTISTIQUE, OU EST-ELLE PRÉSENTE DÈS LE DÉBUT ET RESTERA-T-ELLE PROBABLEMENT AVEC TOI À L’AVENIR ?

Mon langage, c’est la couleur. Ce n’est pas seulement un moyen d’expression ou un moyen de capturer une ambiance, c’est ma perception du monde.
J’ai cette obsession depuis mon enfance, et je sais qu’elle restera toujours centrale dans mon travail tant que je serai capable de créer.

COLOR IS CENTRAL TO YOUR WORK. IS THIS A PERIOD IN YOUR ARTISTIC JOURNEY, OR HAS IT BEEN PRESENT FROM THE BEGINNING AND WILL LIKELY REMAIN WITH YOU IN THE FUTURE?

My language is color. It is not only a conduit for expression or for capturing a mood, it is me describing how I see the world.
I’ve had this obsession since I was a child, and I know it will always remain central to my work as long as I am able to create.

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LES MATÉRIAUX SONT UN AUTRE ÉLÉMENT CLÉ DANS TON TRAVAIL. TU UTILISES DIFFÉRENTS PLASTIQUES ET DU PLEXIGLAS—EST-CE QUE CELA A UNE SIGNIFICATION PARTICULIÈRE ? ESSAYES-TU DE JOUER AVEC LA TRANSPARENCE ET LES ILLUSIONS QU’ELLE PEUT CRÉER, OU VISES-TU À SOULIGNER LE CONTRASTE ENTRE L’ARTIFICIEL ET LE NATUREL ?

Mon objectif est de permettre au spectateur de trouver sa propre signification dans ce qu’il voit. De la même manière qu’une carte de tarot peut être interprétée de plusieurs manières, il en va de même pour mes œuvres, leur perception est propre à chaque personne. L’utilisation de matériaux réfléchissants et transparents dans mon travail obscurcit, reflète et absorbe la lumière tout en créant un voile semblable à une Éclipse — un voile qui peut cacher mais aussi illuminer.
Il y a une connexion avec le subconscient dans le sens de l’être ‘exposé’, non seulement en me soumettant à être le personnage principal de l’image, mais aussi dans l’utilisation de l’éclairage dur de midi — où rien ne peut être caché.
Cette dernière série de photos, peintures et sculptures s’appelle ‘Eclipse’, et mon objectif avec cette série (et tout mon travail) est de créer un temps et un lieu qui existent à la fois dans la réalité et l’imagination. Quelque chose qui semble surréaliste au premier regard, mais à mesure que la curiosité nous rapproche, la réalité de l’œuvre émerge.

MATERIALS ARE THE SECOND KEY ELEMENTS IN YOUR WORK. YOU USE PLASTICS AND PLEXIGLASS—DOES THIS HAVE A PARTICULAR MEANING? ARE YOU AIMING TO PLAY WITH TRANSPARENCY AND ILLUSION, OR TO UNDERLINE THE CONTRAST BETWEEN THE ARTIFICIAL AND THE NATURAL?

My aim is to allow the viewer to find their own meaning in what they see. The same way a tarot card can be read many different ways, the same goes for my work, and is unique to each person. The use of reflective and transparent materials in my work obscures, reflects, and absorbs light while creating an aurora-like barrier—one that can hide but also illuminate.
There is a connection to the subconscious in the sense of being ‘exposed’, not only subjecting myself to being the main character in the image, but also in the use of harsh, mid-day lighting—where nothing can hide.
This latest series of photos, paintings and sculptures is called ‘Eclipse,’ and my goal with this series (and all my work) is to create a time and place that exists in both reality and imagination. Something that feels surreal upon first glance, but as curiosity draws one closer, the reality of the work emerges.

TU ES FRANÇAISE, MAIS TON STYLE ARTISTIQUE EST TRÈS DIFFÉRENT DU STYLE FRANÇAIS. J’Y TROUVE UNE FORTE INFLUENCE DE L’ART AMÉRICAIN, NON SEULEMENT DANS LE STYLE POP ART ET LES ŒUVRES GRAND FORMAT MAIS AUSSI DANS LES PAYSAGES : DE VASTES DÉSERTS, DES VALLÉES DE ROCHE SUPERPOSÉE, ET D’IMMENSES BÂTIMENTS EN BÉTON. EST-CE QUELES LIEUX QUE TU REPRÉSENTES SONT TIRÉS DU RÉEL OU SONT-ILS DES CRÉATIONS DE TON IMAGINATION ?

Je n’ai pas l’impression d’avoir un style artistique particulier, qu’il soit français ou américain. Cependant, les paysages des États-Unis ont réveillé quelque chose en moi lors de la création de mes premières œuvres il y a plus de 13 ans. Lorsque je suis arrivée à Los Angeles en 2012, j’ai été immédiatement inspirée par la lumière du soleil et l’architecture de la ville, qui sont tellement différentes de ce à quoi j’étais habituée en Europe. Ces éléments m’inspirent toujours chaque jour.
Un petit secret à mon sujet : je vois les bâtiments et les paysages en 2D. J’ai la perception de la profondeur, cependant, mon œil artistique voit le monde en deux dimensions. Donc, lorsque j’imagine un lieu, je dois rechercher l’emplacement réel qui correspond à ma vision. De cette manière, les lieux finissent par ressembler à des décors de théâtre, mais, ils existent réellement.

YOU ARE FRENCH, BUT YOUR ART SEEMS QUITE DIFFERENT FROM THAT OF YOUR COMPATRIOTS. I SEE A STRONG INFLUENCE FROM AMERICAN ART, NOT JUST IN THE POP ART STYLE AND LARGE-SCALE WORKS BUT ALSO IN THE LANDSCAPES: VAST DESERTS, LAYERED ROCK VALLEYS, AND MASSIVE CONCRETE BUILDINGS. ARE THESE REAL PLACES OR CREATIONS OF YOUR IMAGINATION?

I don’t see myself as bound by any particular art tradition, weather French or American, however the landscapes of the U.S. absolutely ignited a spark for me to create my first works over 13 years ago. When I moved to Los Angeles in 2012, I was immediately very inspired by the sunlight and architecture, which are so different from what I was used to in Europe. These elements still inspire me every day.
A little secret about me is that I see buildings and landscapes in 2D, (yes, I have depth perception), however my artistic eye sees the world in two dimensions. So when I imagine a location for a scene, I must seek out the real world location that matches my vision. In this way the locations end up resembling theater props, or backgrounds on a stage, however they really exist.

JE VOIS UNE FORTE CONNEXION ENTRE TON TRAVAIL ET CELUI DE L’ARTISTE AMÉRICAIN DAVID HOCKNEY, EN PARTICULIER POUR SES PISCINES ICONIQUES. A-T-IL EU UNE INFLUENCE SUR TON TRAVAIL ? SINON, QUI D’AUTRES EST UNE SOURCE D’INSPIRATION POUR TA VISION ARTISTIQUE ET TA VISION DE LA VIE ?

J’adore vraiment le travail de David Hockney. Je ne dirais pas qu’il a eu une influence directe sur mon travail, mais il y a définitivement une sensibilité partagée concernant le travail de la couleur, l’espace et la représentation d’une réalité presque onirique.
Mon travail est presque cinématographique, le spectateur peut entrer dans ma définition d’un décor parfait. Comme dans les œuvres de l’artiste Yayoi Kusama et comment elle parvient à créer (et vivre dans) un autre monde qui lui est si singulier. Et bien sûr, la couleur elle-même est une influence, comme avec Yves Klein, qui utilisait la puissance d’une seule couleur audacieuse, ou James Turell et son jeu avec la profondeur, les lignes géométriques épurées, et les tons chromatiques immersifs.
En fin de compte, je m’efforce de construire un monde qui n’existait pas auparavant, où les grains de couleurs sont les atomes qui composent les murs et les montagnes, et où la réalité est déformée à travers le prisme de notre imagination.

I CAN SEE A STRONG CONNECTION BETWEEN YOUR WORK AND THAT OF THE AMERICAN ARTIST DAVID HOCKNEY, PARTICULARLY HIS ICONIC SWIMMING POOLS. HAS HE BEEN AN INFLUENCE ON YOUR WORK? IF NOT HIM, WHO ELSE INSPIRED YOUR ARTISTIC VISION AND YOUR VIEW OF LIFE?

I really love David Hockney’s work, While I wouldn’t say he has been a direct influence, there is definitely a shared sensibility about color, space, and an almost dreamlike reality.
My work also has an almost cinematic quality to it, where the viewer can step into my perfect frame. Like in the works of artist Yayoi Kusama and how she is able to create (and live in) another world which is so singular to her. And of course, color is an influence in itself like with Yves Klein, who understood the power of a single bold color, or with James Turell and his play with depth, clean geometric lines, and immersive chromatic tones.
Ultimately, I strive to build a world that didn’t exist before—where grains of colors are the atoms that make up the walls and the mountains, and reality is bent through the lens of our imagination.

LE MONDE QUE TU CRÉES SEMBLE NOUS EMMENER DANS DES VACANCES SURRÉALISTES SANS FIN. CELA REFLETE-T-IL TON ÉTAT D’ESPRIT ? ES-TU UNE PERSONNE QUI VIS LA VIE AVEC AISANCE, OU T’ARRIVE-T-IL D’ÊTRE SOUMISE AUX PRESSIONS QUOTIDIENNES ?

Ces ‘vacances surréalistes’ sont un reflet de mon état d’esprit, pas nécessairement un reflet de ma vie quotidienne. Je suis très motivée et optimiste, et il est vrai que je porte des couleurs néon vives même pour aller faire mes courses, cependant j’ai beaucoup de vulnérabilités. Il y a un côté sombre dans mon travail, même s’il est rendu en jaune néon iridescent, il est présent et je l’embrasse.
Le processus derrière mon travail est également intense, et parfois dangereux. Même si le travail fini semble sans effort, le dévouement physique qui y est investi serait considéré comme extrême par la plupart des gens. Par exemple, lorsque j’ai sélectionné la couleur rouge que j’utilise dans mes peintures, il m’a fallu deux ans d’ajustements de l’échantillon avec un maître coloriste avant d’obtenir le mélange et la finition parfaits. Un autre exemple est la logistique de la photographie de la scène “L’Iceberg”, qui m’a menée en Islande pour trouver un iceberg, sur lequel il fallait percer un trou pour y insérer un poteau sur mesure avec une ‘chaussette à vent’, sur lequel je devais grimper pour la photo… Cette scène nous a pris plus d’une semaine, rien que pour attendre (à travers des vents de force ouragan, des tempêtes de sable et de la pluie) les conditions adéquates pour pouvoir shooter.
Comme tout le monde, je ressens du stress et de la pression, et rien n’est jamais facile. En fait, l’art est extrêmement difficile. C’est une bataille de créer, c’est une bataille de montrer le travail, c’est une bataille de vivre en dehors de la structure de la société. Mais cette résistance rend encore plus impératif de transformer le stress et la pression en carburant pour avancer et créer. Ce n’est pas tant une question d’échapper à la réalité que de la recadrer.

THE WORLD YOU ARE CREATING WITH YOUR ART SEEMS TO INTRODUCE US TO A NEVER-ENDING SURREAL HOLIDAY. DOES THIS REFLECT YOUR STATE OF MIND? ARE YOU SOMEONE WHO GOES THROUGH LIFE WITH EASE, OR ARE YOU SUBJECTED TO THE STRESS OF EVERYDAY PRESSURES?

This ‘surreal holiday’ is a reflection of my state of mind, not necessarily a reflection of my everyday life. I am very driven, and optimistic, and it’s true I wear bright neon colors even going to the grocery store, however I have a lot of vulnerabilities. There is a dark side to my work, even if it’s rendered in iridescent neon yellow, it’s present and I embrace it.
The process behind my work is also intense, and sometimes dangerous. Even if the finished work feels effortless, the physical dedication that goes into it most would consider extreme. For instance, when selecting the red color I use in my paintings, it took me 2 years of adjusting samples with a master paint colorist before I got the mixture and finish just right. Another example was the logistics in photographing “The Iceberg” scene, which took me to Iceland to find an iceberg, which needed a hole drilled into it, upon where we would insert a custom made pole with a ‘wind sock,’ which I would then climb onto for the photo… This scene took us over a week of just waiting (through hurricane force winds and sand storms and rain) for the right conditions to be able to shoot.
Like anyone, I experience stress and pressure, and nothing is ever easy. In fact, art is extremely difficult. It is a battle to create, it is a battle to show the work, it is a battle to live outside of the structure of society. But that resistance makes it even more imperative to transform the stress and pressure into fuel to push on and create. It’s not so much about escaping reality as it is about re-framing it.

IL Y A UN AUTRE CONTRASTE QUI ME RESTE EN TÊTE : L’IMMOBILITÉ ET LE MOUVEMENT, RESSENTIS SIMULTANÉMENT DANS TES ŒUVRES. TES PERSONNAGES SEMBLENT FROIDS DANS DES POSTURES PRESQUE SCULPTURALES, MAIS IL Y A TOUJOURS UNE TENSION SUGGÉRANT QUE CETTE IMMOBILITÉ EST SUR LE POINT DE SE TRANSFORMER EN ACTION. EST-CE QUE CE SENTIMENT D’INCERTITUDE, MÊLÉ DE VERTIGE ET D’EXCITATION, EST LA MANIÈRE ULTIME ET LA PLUS PROFOUND DE VIVRE LA VIE ?

La vie est exactement cela, ne diriez-vous pas ? Nous pouvons sembler figés, mais nous sommes chargés d’un potentiel inconnu à tout instant — sur le bord de quelque chose d’inévitable, ou en train de percer la membrane du mur qui nous fait face. La figure dans mon travail est la même — figée dans le souffle avant le saut

THERE’S ANOTHER CONTRAST THAT LEAVES ME WITH A LUMP IN MY THROAT: STILLNESS AND MOVEMENT, FELT SIMULTANEOUSLY IN YOUR WORKS. YOUR CHARACTERS APPEAR FROZEN IN ALMOST SCULPTURAL POSES, BUT THERE’S ALWAYS A TENSION SUGGESTING THIS STILLNESS IS ABOUT TO BREAK INTO ACTION. IS THIS FEELING OF UNCERTAINTY, MIXED WITH VERTIGO AND EXCITEMENT, THE ULTIMATE AND MOST PROFOUND WAY TO EXPERIENCE LIFE?

Life is just that wouldn’t you say? We may appear frozen, but we are charged with an unknown potential at any given moment—on the precipice of something inevitable, or pushing through the membrane of the barrier in front of us. The figure in my work is the same—caught in the breath before the leap.

POUR CONCLURE, J’AIMERAIS ABORDER LE THÈME DU THÉÂTRE ET COMMENT TES ŒUVRES ÉVOQUENT IMMÉDIATEMENT L’IDÉE D’UNE COMPOSITION THÉÂTRALE GÉOMÉTRIQUEMENT CHAOTIQUE QUI TE SUBMERGE. SI TU POUVAIS ORGANISER UNE FÊTE DANS L’UN DE TES THÉÂTRES SURREALISTES, QUELLE COMPOSITION CHOISIRIAS-TU, QUI INVITERAIS-TU, ET QUELS PLATS SERAIENT SERVIS ?

La scène que vous décrivez ressemble davantage au chaos accablant de Jacques Tati ou de Fellini. Cependant, une fête dans le monde de Paradis serait un véritable rêve ! Elle serait, bien sûr, conçue avec la même palette de couleurs minimalistes, y compris pour la nourriture et les costumes. Elle se déroulerait dans une piscine de couleur pêche pendant une chaude journée d’été. Il y aurait des mini-gâteaux de gelée transparente colorée et des cocktails avec des textures et des saveurs qui évoluent dans votre bouche. Les boissons seraient pétillantes et le paysage sonore serait comme si vous étiez sous l’eau. À la table, je serais assise à côté de mon partenaire Carl Lindstrom, qui m’aide à photographier mes scènes, veille sur moi quand les choses deviennent dangereuses, et est mon plus grand soutien dans tout ce que je fais. Il est aussi le réalisateur d’un film sur mon travail intitulé ‘Queen of Paradis’ (2020, Amazon Prime) et d’un film à venir intitulé ‘Paradis Land’ qui sera diffusé à l’automne 2025. Donc, si vous voulez entrer dans mon monde et découvrir le processus derrière l’œuvre, je vous recommande vivement de regarder le film.

AND NOW, TO CONCLUDE, I’D LIKE TO TOUCH ON THE THEME OF THEATER AND HOW YOUR WORKS IMMEDIATELY EVOKE THE IDEA OF A GEOMETRICALLY CHAOTIC THEATRICAL COMPOSITION THAT OVERWHELMS YOU. IF YOU COULD ORGANIZE A PARTY IN ONE OF YOUR SURREAL THEATERS, WHAT KIND OF COMPOSITION WOULD YOU CHOOSE, WHO WOULD YOU INVITE, AND WHAT WOULD BE SERVED TO EAT?

The scene you’re describing sounds more like the overwhelming chaos from Jacques Tati or Fellini. Though a party in the world of Paradis would be such a dream! It would, of course, be designed in the same minimal color palette including the food and the costumes. It would take place in peach colored swimming pool during a warm summer day. There would be mini colored transparent jello cakes and cocktails with evolving textures and tastes that change in your mouth. The drinks would be fizzy and the soundscape would be as if you were underwater. At the table, I would be sitting next to my partner Carl Lindstrom, who helps me photograph my scenes, looks out for me when things get dangerous, and is my biggest support in all that I do. He is also the director of a film about my work called ‘Queen of Paradis’ (2020, Amazon Prime) and an upcoming film called ‘Paradis Land’ to be released later in fall 2025. So if you want to step into my world and see the process behind the work, I highly recommend checking out the film.

REINE PARADIS, SHAPING PERCEPTION
PICTURE FROM ECLIPSE EXHIBITION
AT KÖNIG TELEGRAPHENAMT, BERLIN
FROM 13TH FEBRUARY TO 15TH MARCH 2025
COURTESY OF THE ARTIST REINE PARADIS AND KÖNING GALLERIE
COURTESY OF THE PHOTOGRAPHER : Roman März
WWW.REINEPARADIS.COM
WWW.KOENIGGALERIE.COM

INTERVIEW BY : ELENA CESCON